El Ayuntamiento de Alzira y la Fundació Caixa Carlet firman un convenio de colaboración para realizar dos exposiciones

Las exposicones son de la pintora Rosa Torres y la escultora Monique Bastiaans.

El Ayuntamiento de Alzira y la Fundació Caixa Carlet firmaron el pasado viernes día 3 de abril 2009, un convenio de colaboración para la realización de dos exposiciones entre las poblaciones de Alzira y Carlet durante la temporada 2009.

El Ayuntamiento de Carlet ha sido el lugar donde se hizo efectivo el convenio mediante la firma del mismo por parte de la alcaldesa de Alzira, Elena Bastidas y la presidenta de la Fundació Caixa Carlet, Rosa Primo. La alcaldesa de Carlet, Mª Ángeles Crespo, también estuvo presente en el acto, así como las autoras de las dos primeras exposiciones que se van a llevar a cabo, Rosa Torres y Monique Bastiaans.

Mediante la firma de este convenio, se manifiesta la voluntad de las dos instituciones de integrarse en un proyecto bilateral de circuitación de exposiciones por el que cada institución organizará una exposición y la cederá, con posterioridad, a la otra entidad.

La alcaldesa de Alzira, Elena Bastidas, ha manifestado: “Desde el Ayuntamiento de Alzira hemos recibido con mucha ilusión la posibilidad de llevar a buen término este convenio que nos va a permitir continuar accediendo a artistas plásticos de primera línea como son Rosa y Monique y aumentar nuestro patrimonio local con su obra de una manera más “ligera” económicamente porque compartimos gastos. Así también con este convenio seguimos atando lazos, en esta ocasión, a través del arte con una ciudad con la que tenemos en marcha grandes iniciativas en muchos campos”. Bastidas ha añadido: “Agradezco a la Fundació Caixa Carlet y al Ayuntamiento de Carlet la predisposición y voluntad para este acuerdo. Desear que sea una experiencia positiva que nos lleve a ampliarlo. Los trabajos de estas dos artistas son de un gran nivel y animo a la población de las dos ciudades a participar de las exposiciones”.

Los objetivos que persigue este proyecto pasan por:

-Divulgar entre las poblaciones que lo integran, la obra de artistas plásticos de reconocida trayectoria, potenciando así el acercamiento del arte contemporáneo a los ciudadanos.

-Complementar y enriquecer la programación propia de cada sala.

-Fomentar el intercambio y la participación de recursos entre instituciones.

-Enriquecer el patrimonio artístico de cada institución a partir de la donación de una obra por parte del artista que produce.

-Abaratar los costes de producción de las exposiciones al compartir los recursos.

La exposición de pintura de Rosa Torres “Paisaje y figura” es la primera que verá la luz en la Sala Municipal de Exposiciones de la Casa de la Cultura de Alzira. El 7 de mayo se inaugurará y en el mes de junio pasará a exponerse en la Fundació Caixa Carlet.

La segunda exposición programada es la de la escultora Monique Bastiaans titulada “Enseres de mujer”. Se expondrá en la Fundació Caixa Carlet del 2 al 30 de octubre, y en la Casa de la cultura de Alzira del 5 al 30 de noviembre de 2009.

Rosa Torres

Rosa Torres, pintora, se forma acadèmicament en els anys 60, en la Facultat de Belles Arts de Sant Carles de València. Les seues primeres passes en el món de l’art s’inserten en el context dels moviments avantguardistes dels anys 70, marcats pel compromís social dels artistes i per la renovació dels llenguatges de la pintura espanyola i, especialment la valenciana.

La seua vinculació inicial al taller de Manolo Valdés i Rafael Solbes, integrants del llegendari Equip Crònica, li va proporcionar el desenvolupament de grans coneixements tècnics i una enriquidora relació amb intel·lectuals i artistes (com Joan Antoni Toledo, Jordi Teixidor, Eva Mus, Martí Quinto i altres…amb els que Rosa aprèn i es desenvolupa com a persona.

Des de 1.972, en que arranca la seua trajectòria amb l’edició les primeres serigrafies sobre animals, i 1.973 quan presenta la seua primera exposició a la Galeria Sen de Madrid, encara que amb certes influències, s’evidencia ja un allunyament tècnic i temàtic del Realisme crític característic de l’Equip Crònica i dels llenguatges de molts moviments del moment i comença a construir i desenvolupar un llenguatge propi, molt personal, basat fonamentalment en l’anàlisi i l’experimentació contínua dels aspectes tècnics i conceptuals de la pròpia pintura.

Un llenguatge que la identifica al primer colp de vista i que a l’espectador li resulta aparentment senzill i espontani. Açò és tan sols una impressió. Rosa Torres aconsegueix fer simple allò més complex. En realitat la seua pintura és una pintura tremendament treballada, mesurada, pintada, on tot està pensat sense deixar lloc als dubtosos encerts de l’atzar.

Encara que a través de les seues sèries s’aprecia una clara evolució fruit de l’experimentació amb noves tècniques i de les diverses influències que ha anat incorporant a la seua pintura, s’ha mantés fidel a eixe llenguatge primigeni fins el moment actual.

Amb una fusió d’influències del Pop-Art i de l’Op-Art, de l’abstracció geomètrica i de les tonalitats emprades per Tàpies o Miralles en les seues obres emmarcades en l’Expressionisme Abstracte. Amb l’aplicació de colors plans, dominant els grisos i marrons, amb una nova lectura del puntillisme de Seurat, a base de pinzellades curtes d’acrílics i pintura plàstica sobre teles tenyides o estampades, Rosa Torres creà aquelles primeres obres dels anys 70 en les que l’espectador, com en un joc d’il·lusionisme, acabava descobrint animals salvatges entre una atapeïda vegetació.

Seduïda pels impressionistes, especialment, pels jardins de Russeau, crea la sèrie Russeau-Foret dels paisatges, alguns d’ells prop de l’abstracció, que apareixen a les mostres del 74 i 75. Poc després, a partir del 76, amb un clar referent en la figura del pintor Ortega Muñoz, realitza sèries de paisatges construïts a partir de texts a cavall entre la figuració i l’abstracció.

Influenciada per l l’obra de Lichtenstein i Warhol experimenta amb altres procediments pictòrics com la imitació del grafisme del bolígraf o el retolador i la fusió de llenguatges: línies, taques de color, pinzellades, collages i mescla de textures. Comença a introduir més colors en la seua obra, aplicant distintes tonalitats d’un mateix color i combinant colors calents i gelats que es potencien mútuament.

Ja en els 80, les seues obres es caracteritzen per passar de les taques a una major estructuració del color, la utilització del negre per a separar i definir formes i l’obtenció d’una major densitat a partir de la superposició de pinzellades d’uns colors damunt els altres, estes innovacions es materialitzen en les sèries de jardins, entre les que destaca la dedicada al Jardí Botànic de València que s’integren entre els 10 paisatges de gran format que, de la seua mà, representaren España en la Bienal de Venècia del 1.982, junt a l’obra d’artistes com José Abad, Francisco Cruz, Eugenio Chicano i Josp Guinovart.

En 1.987, amb el títul “Naturalezas españolas, 1940-1987”, s’inaugura en el Centre d’Art Reina Sofía, una gran exposició entre les que s’inclouen obres de Rosa Torres junt a artistes com Sempere, Gordillo, Alfaro, Arroyo i molts atres, este fet unit al record dels paisatges presentats a la Bienal, la llarga tradició paisagística de la pintura valenciana i al fet de que el paisatge fora i és una temàtica habitual en la seua pintura, va generar que en certs àmbits se la definira com a paisagista quan, en realitat, el paisatge, en l’obra de Rosa Torres, és un pretext per a desplegar nous plantejaments compositius i un gran nombre de possibilitats cromàtiques, òptiques i gràfiques, en definitiva una excusa per a fer pintura o, com a molt, una nova visió de la natura molt lluny de la forma tradicional de fer paisatges.

En els 90, en sèries com àrboles y mar o árboles y casas, continua despullant la seua pintura dels elements supèrfluos, desenvolupa una nova geometria en la aplicació del color i comença a donar-li un nou valor al negre que no és ja tan sols un element separador. A partir de 1995, introdueix, per primera vegada, la figura humana en exposicions com “Mis cuadros favoritos” o “Paseos por la historia del arte” en les que ret homenatge a les obres clàssiques que més li havien interessat de la història de la pintura: obres de Manet, Van Gogh, Ticiano, Goya, Matisse…, i que junt amb els temes mitlògics i el paisatge constitueixen la iconografia de la pintura de Rosa Torres fins el moment actual.

A més de la innegable qualitat de la seua obra, mes de 50 exposicions individuals i al voltant de 150 col·lectives realitzades en prestigiosos espais públics i privats, avalen la seua experiència professional. Ha exposat a la Bienal de Venència, a la Tossan Gallery de Nova York, una antològica itinerant organitzada per la Conselleria de Cultura Valenciana, dues exposicions simultànies al Parlament Europeu i a la Fundació Comunitat Valenciana – Regió Europea, Al Centre d’Art Reina Sofía, entre altres a nivell nacional i internacional.

En l’àmbit de la Comunitat Valenciana, destaquen les realitzades al Museu de Belles Arts i la Sala Parpalló i, especialment (per lo estricte de la seleción), les mostres «30 Artistes Valencians» i «Els altres 75 anys de Pintura Valenciana» de l’Ajuntament de València i l’exposició de l’I.V.A.M. «Cien años de Pintura Valenciana».

No han dubtat en escriure d’ella i per a ella eminents crítics, historiadors de l’art, periodistes i escriptors de la talla de Juan Manuel Bonet, Romà de la Calle (actual director del MUVIM), José Francisco Yvars, Luis González Robles (un dels creadores del Museu Espanyol d’Art Contemporani), Vicente Aguilera Cerní o Juan Ángel Blasco Carrascosa.

La seva obra forma part de diverses col•leccions públiques i privades, tant nacionals com internacionals i ha estat guardonada amb diferents premis i beques com la
Beca del Ministeri de Cultura per noves aportacions a les Arts Plàstiques.

Actualment exposa una mostra dedicada a la natura en la galeria Canals de Sant Cugat.

A l’exposició que inaugurarem en la Sala Municipal d’Exposicions d’Alzira el proper 7 de maig i que es traslladarà ací a Carlet en el mes de Juny, Rosa Torres, amb el títul “Paisaje y figura” ens mostrarà tota la seua iconografia i el seu quefer pictòric. Sense dubte vos sorprendrà el catàleg que ha acabat transformant-se en un llibre excel·lent gràcies a la intervenció de la pròpia pintora, del gran il·lustrador i dissenyador que és Miguel Calatayud, a la participació de Lourdes Ortiz que introdueix la temàtica de la figura humana amb el seu text “Mitologies”, de Romà de la Calle autor del text que prologa tota la mostra i de Martí Domínguez que ha escrit sobre la temàtica del paisatge. En perfecta simbiosi amb les reproduccions de les obres trobareu també les creacions poètiques de Mª Josep Escrivà, Marc Granell i Tono Fornés.

Tots junts formen un equip immillorable per acompanyar a una dona, a una pintora tremendament treballadora, que ha sobreviscut amb una pintura honesta i fidel a les seues conviccions estètiques i ideològiques, per damunt de modes i tendències, al llarg dels prop de 40 anys d’una trajectòria que li ha reportat el merescut reconeixement del que ara disfruta.

Monique Bastiaans

Monique Bastiaans, tiene su estudio y residencia situado en la localidad de Chiva ( Valencia), un lugar un tanto peculiar rodeado de naturaleza en el que nos presenta un breve recorrido personal a través de su obra; innumerables esculturas, bocetos… un hogar donde a través de una vidriera se puede leer la palabra luz, que impera como signo de presentación. Su obra es considerada con un alto nivel de compromiso social y ligada al arte público, al Land – art, Pop- art y el Minimal – art. Su obra se podría resumir en cuatro palabras; esculturas, intervenciones, bocetos e instalaciones.

La obra de Monique como su vida va muy relacionada con el Land – art, que es una tendencia del arte contemporáneo, que utiliza el marco y los materiales de la naturaleza. Generalmente las obras se encuentran en el exterior sometidas a la erosión natural, muchas veces solo queda de ellas el recuerdo fotográfico como ejemplo nos vale la exposición Adeu tritesa, en el año 2000, en Ribarroja del Turia , en la que la artista se dedicó a dar vida donde no la hay, obteniendo un resultado mejor de lo que era antes, vistió a la naturaleza de gala. Se trató de una intervención en un campote naranjos afectado por la enfermedad de la tristeza. Se trató de un arte efímero.

En la sala La Metro, en el año 2007, Monique recreó un acuario, fue un a recreación del medio natural; animales, plantas y microorganismos . Un aserie de espacios donde la emoción y el pensamiento se conjugan. Se trata de un espacio singular donde el espectador forma parte de el y va sorprendiéndose al caminar junto a unas grandes esculturas con un colorido y unas formas ligadas al Pop –art.

Se puede afirmar que estamos en el desarrollo de la escultura pública monumental sin precedentes ; en nuestras ciudades, en nuestro hábitat natural, la escultura es protagonista de un poder de transformación e innovación de nuestro entorno mas inmediato. Se incorporan nuevos materiales como el hierro, la abstracción…una nueva serie de lenguajes que se incorporan a la escultura contemporánea.

Monique es un artista muy meticulosa en la preparación de todas sus exposiciones ; medición de la sala ancho, largo y alto, plasmación de la idea, creación de bocetos de los espacios a exponer mediante fotografías en las que inserta las esculturas, instalaciones ect….

En esta ocasión presentamos por primera vez en España conjuntamente en la casa de cultura de Alzira y en la Fundació Caixa Carlet la exposición Enseres de Mujer. Una exposición que se podría resumir en los siguientes apartados; Collar, Zapatos, Merrily, Bocetos y escultura en la calle.

Enseres de mujer se trata de una visión actual y contemporánea sobre lo femenino, la mujer de antaño tenía muchos “peros” a la hora de vestirse, la mujer se sentía catalogada como fácil por la mirada de la sociedad que las inhibía, utilizaban un vestuario recortado con la tijera de la moral. Vestirse con ropas sugestivas es parte de ser una mujer mas sexy. Sin miedo la mujer contemporánea sabe bien lo que quiere, lo que tiene y desea mostrarlo.

Collar; Una serie de bolas de alabastro macizas de unas dimensiones de tres y medio por tres metros. Esta pieza está en el suelo como si fuera un complemento que se quita la mujer cuando se desviste, es la última pieza que se quita. Son enormes perlas a gran escala unidas por un enorme cable de acero que se pasa entre las distintas piezas. Se trata unir distintas piezas sueltas que forman una unidad, es como unir a las personas, fiel reflejo de nuestra sociedad.

EL COLLAR DE PERLAS Y LA CADENA DE UNION
En función de lo que acabamos de señalar, cada «ser», considerado en su individualidad, puede ser representado simbólicamente por una «esfera», como René Guénon lo ha expuesto tan justamente en El Simbolismo de la Cruz.

En el símbolo del «collar de Perlas», esa alineación circular de esferas adyacentes, vemos que, bajo esta forma manifestada, ellas no son más que una sucesión de individualidades perfectamente aisladas y en modo alguno unidas por sí mismas. Por otra parte, ¿cómo podría ser de otra manera puesto que el nacimiento de un «ser» cualquiera es el producto de un «principio de individuación»? Se habla también de la «esfera de influencia» que cada ser puede pretender poseer. Es igualmente notable observar en esta figura que las diferentes esferas no pueden llegar a estar en contacto más que por medio de un solo «punto», casi inmaterial, dicho de otro modo sólo pueden estar en contacto en un lugar de «comunicación» no manifestable, mientras que el volumen de la esfera es el mayor de todos los sólidos de igual superficie. Vemos pues que los «individuos», que tienden naturalmente a ocupar el mayor espacio presentando la mayor superficie de intercambios posibles, están reducidos, por el contrario, a no poder comunicarse con sus semejantes más que mediante un punto geométricamente sin dimensiones.

Sin embargo, el simbolismo del collar nos revela que las «perlas» están unidas por un hilo que pasa por el «centro» de cada una de ellas. Si nuestro intelecto puro se concentra en esta «meditación», nos hace comprender que es imposible unir a los hombres de otra manera más que por sus centros respectivos, y ni siquiera por sus manos entrelazadas. Así, el reconocimiento, seguido del «conocimiento» de su propio «centro» por parte de cada hombre es lo único que puede engendrar la noción de «fraternidad», porque el hombre es absolutamente de la misma naturaleza que dicho «centro» y porque proviene de la misma «fuente», como lo indica expresamente el «hilo» que une las «perlas». Pues, aún cuando el hilo se «rompa», las perlas no pierden por ello su «centro», identificado así en lo sucesivo.

Este texto fue publicado por la revista francesa Vers La Tradition «répandre la lumière et rassembler ce qui est épars», nº 75 Marzo-Abril-Mayo 1998. Artículo de su director, Roland Goffin.

Cinderellaclub; Instalación formada por 12 ‘zapatos’ de diversas formas, diversos tamaños , materiales y colores. (varios tipos de goma,vidrio, aluminio, madera, bronce y ceramica .)

Aparte de zapatos se parecen a unos seres extraños que parecen tener vida propia.

El número 12 refiere a Cenicienta y el momento de su metamorfosis.

Al contrario al cuento de Cenicienta aqui no se trata de ún solo zapato que la futura princesa está esperando pasivamente.

La instalación Cindarellaclub muestra una oferta variada de calzados y el espectador puede pasearse entre ellos y elegir el zapato que mejor le va.

Se trata de tomar las riendas de nuestro destino.

Todos somos princesas.

Merrily; Un termino que inglés significa felizmente. Se trata de una enorme falda que va colgada del techo y tiene movimiento gracias a la instalación de distintos ventiladores.

Se trata de un alusión directa a Marilyn Monroe, al film de Billy Wilder “Some Like it Hot “( Con faldas y a lo loco), 1959. Considerada Marilyn como uno de los mitos más importantes del séptimo arte, ha pasado a ser el máximo sex symbol del siglo XX, y como el icono femenino de la cultura Pop.

El Pop subraya el valor iconográfico de la sociedad de consumo. Es la manifestación plástica de una cultura caracterizada por la tecnología, el capitalismo, la moda y el consumismo.

Bocetos; Casi siempre empieza a pensar Monique en una imagen plana y bidimensional que luego transforma en una pieza tridimensional y con volumen.

Presentaremos en la sala principal bocetos de la falda, zapatos, el collar….

Estos nos sirven para ver el proceso creativo de la autora, muchas veces los trabaja con el ordenador insertando sus creaciones en los espacios donde van a ser ubicados pero no conformándose con ello siempre pinta , dibuja , mejora todos sus proyectos.

Escultura en la calle; Se trata de dos esculturas sitas el el Malecón de Carlet. Es una especie de vegetación. Monique tiene una constante en su obra que se trata de ampliar las cosas diminutas para que la que la gente se fije en todo aquello que nos pasa inadvertido. Se trata de la floración de un musgo donde el reciclaje tiene un papel fundamental; son farolas del casco urbano de Carlet que han sido retiradas. Monique interviene y les da una segunda vida. Son grandes mástiles de metal donde en la parte superior se produce el principio de una floración, con materiales como el poliéster rojo la artista transmitirá al publico una especie de eterna primavera. Es puro Minimal- art, aspira a un estilo más estricto geométricamente pero donde la imposición del orden no es inflexible sino mas bien moderada .Las diferentes formas están reducidas a estados mínimos de orden y complejidad desde el punto de vista morfológico .Se denuncian influencias cromáticas de la Nueva abstracción y en su característica material y composición nos remiten a técnicas industriales.

Julián Lladosa, 2009.